Foto artistiche

Arte e fotografia

Esiste un altro libro di David Campany che cerca di indagare le diverse sensibilità che accompagnano la fotografia nelle sue molteplici applicazioni artistiche. Questo libro è ARTE E FOTOGRAFIE (Phaidon 2006).

«Verso la metà degli anni ’60 del Novecento, i molti artisti che avvertono la necessità di allargare i propri orizzonti per rispondere ai sempre più rapidi cambiamenti in atto nel mondo e alle modalità della loro rappresentazione, trovano nel mezzo fotografico lo strumento per tradurre in pratica le proprie aspirazioni. A partire da quegli anni i grandi movimenti artistici si sono interrogati, in maniera più o meno esplicita, sulla natura del rapporto che lega l’arte alla vita quotidiana; e spesso l’interrogativo ha assunto una forma fotografica. Perché? Perché la fotografia è un mezzo quotidiano, che si è conquistato un ruolo nell’arte proprio grazie alla sua natura profondamente versatile che è anche la vera ragione delle sue potenzialità, del fascino che esercita sugli artisti, della straordinaria capacità di rinnovarsi e rigenerarsi.»

David Campany – Arte e fotografia – Phaidon 2006

Copertina del libro Arte e Fotografia a cura di David Campany edito dalla Phaidon [Foto di copertina di Luigi Ghirri Atelier Morandi 1987]

Le Culture della Natura

Anche in questo libro David Campany non fa nessuna pedante classificazione di generi fotografici, di “fotografi d’arte”, di “artisti fotografi” di “artisti che fanno uso della fotografia” e di “fotografi”. Trova una maniera di organizzare le fotografie artistiche in otto grandi gruppi. Quello che più mi ha interessato è “Le Culture della Natura“.

«Il progresso tecnologico, la diffusione di una coscienza ecologica, la mercificazione della terra e l’ulteriore separazione tra vita urbana e natura sono tutti fattori che hanno spinto fotografi e artisti, spesso sostenuti da un sentito impegno politico, a ripensare il senso della natura e del nostro rapporto con essa.»

David Campany – Arte e fotografia – Phaidon 2006

L’influenza della fotografia

Fin qui David Campany mi ha dato una mano ad entrare nella fotografia contemporanea in punta di piedi senza troppo osare su cosa siano veramente le fotografie artistiche. Ma questa difficoltà tra parole e immagini viene da più lontano ed ha connotazioni molto più complesse, materia per chi ha una buona cultura di storia dell’arte moderna e non solo. Da qui la riflessione teorica sulla fotografia sconfina in ambiti ancora più affascinanti e nuove letture critiche mi hanno svelato implicazioni sorprendenti tra fotografia e arte moderna e contemporanea.

Nuove visioni

La fotografia ha scatenato una reazione di lunga durata, ha condizionato un dibattito non ancora concluso, ha travolto in varie ondate ogni ambito artistico e culturale. Il primo a imporre la discussione sulla fotografia su un piano prettamente filosofico, estetico ed artistico è stato Walter Benjamin. Qui mi viene in soccorso un altro libro appena uscito: NUOVE VISIONI – I grandi libri della fotografia – Contrasto 2020. Diversi autori, tutti italiani, parlano di sette libri classici imperdibili della storia della fotografia. A questo link la recensione di Michele Smargiassi del libro.

«Nuove visioni raccoglie gli approfondimenti su alcuni libri che hanno fatto la storia della fotografia. Si tratta di titoli, autori, idee che sono sempre attuali e che indicano nuove visioni, aprono a nuove scoperte.»

Dal sito dell’editore contrastobooks.com

Walter Benjamin

Il primo libro trattato è quello di di Walter Benjamin; L’OPERA D’ARTE NELL’EPOCA DELLA SUA RIPRODUCIBILITÀ TECNICA del 1931. Il libro è anche conosciuto come PICCOLA STORIA DELLA FOTOGRAFIA, il titolo del saggio che Walter Benjamin scrisse su commissione per una rivista tedesca. A occuparsi di Benjamin è Claudio Marra, docente universitario di Storia della fotografia a Bologna.

Claudio Marra

Claudio Marra in poche pagine ben scritte e di facile lettura, ci aiuta a capire il complesso saggio sulla fotografia e l’arte di Walter Benjamin. La materia come dicevo sopra è molto complessa, proverò qui, a fare una sintesi sul perché la fotografia è così importante nel mondo dell’arte e di quanto Walter Benjamin sia stato in grado con il suo libro di far diventare le fotografie artistiche delle protagoniste dell’arte contemporanea dei giorni nostri. In questo primo capitolo del libro Claudio Marra collega Walter Benjamin a Marcel Duchamp.

Marcel Duchamp

Quasi vent’anni prima dell’articolo di Benjamin era stata concepita la prima opera d’arte che sconvolgerà l’arte moderna: Roue de bicyclette (1913) di Marcel Duchamp. Perché quella ruota di bicicletta è un’opera d’arte? Cosa ha fatto l’artista per trasfigurare un banale pezzo industriale in arte? Pochissimo: gli ha dato un titolo, l’ha firmata, ha reso stabile la ruota e la forcella di bicicletta fissandola ad uno sgabello ed infine ha trovato un gallerista che esponesse l’opera. In realtà è come se avesse esposto una fotografia di un oggetto qualunque fotografato. La seconda opera di Duchamp fu ancora più scioccante perché espose un orinatoio capovolto a cui diede il titolo di Fontana (1917). In poche parole Duchamp ha deciso di rompere con il mondo dell’arte di allora, di mandare un messaggio ironico e di rottura a tutti gli artisti di allora. Un messaggio molto semplice, del tipo… “che senso ha fare ancora arte figurativa pittorica se esiste già uno strumento incredibile come la fotografia”. Forse sto esagerando, ma è indiscusso che la fotografia, direttamente o indirettamente ha costretto molto artisti a fare i conti con il suo iperrealismo, con la sua potente tecnologia figlia della rivoluzione industriale.

Fotografia come metafora dell’arte contemporanea

Consiglio la lettura di un’intervista recente a Claudio Marra su Artribune. L’intervista è un dialogo, in cui determinate domande, rimandano ad altrettanti quesiti sui valori di artisticità della fotografia contemporanea. Secondo Marra sono due i riferimenti di questo dialogo sulla fotografia: l’esperienza e la forma. L’esperienza è il contesto dell’atto fotografico di chi è coinvolto, non solo l’artista fotografo, ma tutto quello che la foto ritrae, modella o paesaggio che sia. La forma è la fisicità della fotografia, cosa diventa quella foto… un’immagine proiettata, stampata, ingrandita, replicata, ritoccata, ricomposta… perché per lui la fotografia è una metafora dell’arte contemporanea.

Susan Sontag

Vorrei finire questo discorso sulle fotografie artistiche, con il libro SULLA FOTOGRAFIA di Susan Sontag del 1977. Un libro che ho letto e che ogni volta che ci ritorno sopra, mi sembra di scoprire nuovi ambiti, concetti, a volte anche contradditori. Susan Sontag scrive anche di antropologia, da alla fotografia ruoli sociali… quasi una predizione se pensiamo a come oggi i cellulari e le loro foto vengono utilizzate, di come siamo diventati tutti fotografi ed insaziabili divoratori di fotografie. Una lettura importante che ha condizionato molti fotografi e che condiziona ancora oggi tanti artisti che hanno scelto la fotografia come strumento concettuale, esperienziale e formale.

Fine Art

Dopo questo lungo preambolo su arte e fotografia, mi sembra giusto portare questo articolo su questioni più materiali e formali legati al termine Fine Art, che da qualche anno si aggiunge alla foto quando questa ha velleità artistiche.

Foto Fine Art

Foto Fine Art , oggi, è il nome più comune per identificare le foto artistiche. In realtà il termine Fine Art print proviene dal mondo dell’arte tradizionale, delle stampe antiche realizzate soprattutto con le tecnica di incisione su legno. L’artista incisore produceva una matrice per riprodurre su carta più esemplari. Stiamo parlando della stampa al torchio detta xilografia. Nel mondo della fotografia artistica contemporanea in realtà si usa il termine Fine Art soprattutto per il tipo di stampa utilizzata e non per definire foto artistiche.

Fine Art Print

Fine Art print è un termine che si iniziò ad usare nel mondo della fotografia quando apparve la stampa a getto d’inchiostro (inkjet). Per differenziare le nuove tecnologie digitali dalla stampa fotografica tradizionale ai sali d’argento, si ritornò ad un termine antico che aveva in comune solo l’inchiostro.

Prime foto artistiche in grande formato

In realtà quasi un decennio prima dell’avvento della stampa inkjet, il mondo della fotografia fu rivoluzionato da un’altra tecnica di stampa molto usata per le prime foto artistiche in grandi formati. Tra l’altro furono stampate con questa tecnologia, le prime foto artistiche a colori che ebbero quotazioni considerevoli nel mondo dell’arte. Lambda è il nome di questa tipologia di stampa.

Stampa Lambda

Si tratta di una tecnologia che stampa una foto digitalizzata ad altissima risoluzione grazie a puntini luminosi (laser) che impressionano la carta fotografica ai sali d’argento (fotografia analogica tradizionale). Fu inventata nel 1995 dalla Durst di Bressanone (Alto Adige). Un’azienda che prima di inventare la stampante Lambda produceva ingranditori per camere oscure. L’ingranditore è un proiettore di luce montato su una colonna verticale che impressiona l’immagine di un negativo o di una diapositiva, su un foglio di carta fotografica ai sali d’argento. Per questo tipo di stampa mi servo da uno stampatore tedesco: White Wall. Su Roma un ottimo laboratorio che stampa con Lambda è Graphocolor.

Grandi formati

La Stampa Lambda fu una rivoluzione soprattutto per i grandi formati che riusciva a produrre e per l’uso del colore. Prima della Lambda stampare in camera oscura con gli ingranditori una grande fotografia di un metro quadrato era estremamente complicato e i risultati, soprattutto nel colore, deludenti. La stampa Lambda invece usava bobine di carta fotografica oltre il metro di lunghezza e il controllo dei toni e delle correzioni cromatiche venivano processati da un computer.

Stampanti inkjet

Quando arrivarono sul mercato le prime stampanti Inkjet si dovette trovare un termine nuovo, e lo si prese dalle stampe antiche che usavano inchiostri. Ink in inglese è inchiostro, jet è lo “spruzzo” la gocciolina di colore spruzzata su carta. In realtà in un primo momento fu preso in prestito dalla lingua francese la parola “gicleur” (ugello) per dare un nome alle stampe fotografiche a getto d’inchiostro.

Giclée print

“Giclée print” è ancora molto usato tra i collezionisti di fotografie e gallerie d’arte. Gli ugelli sono le piccolissime gocce di colore che una stampante a getto di inchiostro usa per stampare una foto digitalizzata.

Stampa e carta Fine Art

La stampa e la carta Fine Art sono i due elementi che determinano una fotografia di alta qualità. Foto Fine Art è quindi il termine più usato per opere fotografiche stampate a getto di inchiostro e indirettamente per le foto artistiche. Il motivo è semplice: la qualità eccezionale raggiunta da questa tecnologia e l’ampia scelta di carte di notevole pregio su cui stampare. Il fattore cromatico è legato agli inchiostri che la stampante inkjet utilizza. Non tanto per l’elevata risoluzione raggiunta quanto per la facilità di controllo dei processi e per la fedeltà cromatica che si vuole raggiungere.

Durare nel tempo

L’altro fattore del successo di questa tecnologia sono gli inchiostri a pigmenti che non si alterano nel tempo. Carte molto spesse senza acidi (acid free) permettono di non essere aggredite da batteri e muffe e che il bianco carta non si ingiallisca. Un processo di invecchiamento tipico della cellulosa del legno. Infatti le migliori carte ed anche le più costose sono in carta cotone (cotton rag). Le foto artistiche devono poter durare nel tempo. Una fotografie Fine Art deve conservare una certa integrità e stabilità cromatica per almeno 100 anni.

Cento anni

La fotografia bianco e nero ai sali d’argento ha già superato il secolo da qualche decennio. In realtà fotografia fine art definisce l’intero processo produttivo che comprende l’elaborazione digitale, i profili corretti di stampa e la qualità del file sorgente della ripresa fotografica che deve avere una risoluzione adeguata all’ingrandimento che si vuole stampare.

Le mie foto artistiche di paesaggi marini

Una volta chiarito cosa sia una foto Fine Art e come dovrebbero essere stampate delle foto artistiche, vorrei qui parlare di come da fotoreporter di viaggio sia diventato un fotografo specializzato in fotografia di paesaggio e di come sia riuscito a stampare le mie foto fine art su grandi formati.

Reporter di viaggio

Viaggiare e fotografare è una maniera molto creativa per conoscere e vivere un paese, un territorio, un luogo lontano più o meno turistico. E naturalmente sei più un giornalista che un artista. Ho incominciato a sentirmi artista quando smisi di fotografare qualsiasi cosa mi girasse intorno: il primo piano di un bambino, un falchetto, un pesce pagliaccio avvolto nel suo anemone, le rovine di un tempio antico, l’interno di un museo… soggetti e tecniche di ripresa così diversi che non ti basta una vita per padroneggiarli professionalmente tutti.

Sul tavolo luminoso

Il momento della verità era quando, appena tornati in studio da un reportage, si ritiravano dal laboratorio di sviluppo i rulli e con il lentino sul tavolo luminoso si prendeva visione del materiale fotografico prodotto . Se qualcosa era andato storto molto spesso era per colpa di un’attrezzature mal funzionante, del poco tempo a disposizione per un buon lavoro. Ma quasi sempre la colpa era di aver accettato un lavoro, un reportage, non adatto alle proprie specifiche e abilità professionali.

Foto subacquee

Lo studio dove avevo iniziato a lavorare come assistente fotografo prediligeva reportage marini. Il mare era uno dei temi più trattati ed io sul mare ci ero nato e cresciuto. Sapevo andare sott’acqua, me la cavavo bene in barca e fin da bambino avevo avuto a che fare con squali, lionfish e murene gigantesche. La fotografia subacquea fu la mia prima specializzazione, ma adoravo anche fare ritratti.

Fotografia naturalistica

Poi mi capitò anche la fotografia naturalistica intesa soprattutto come caccia fotografica. Uccelli e animali selvatici sono difficili da avvicinare ed ecco che scopro i potenti e costosissimi teleobiettivi. Non sempre si hanno le capacità adeguate e le attrezzature per farcela su tutti i fronti. La fotografia di paesaggio era il sottofondo a tutto questo viaggiare e rincorrere pratiche fotografiche diverse.

Mare italiano

Sempre di più mi capitavano lavori editoriali sul mare e le coste italiane. Sempre di più era il paesaggio marino e costiero italiano ad interessarmi. Nacque in me la consapevolezza di avere un progetto ben preciso da espandere ed arricchire con sempre nuovi paesaggi. Forse si incomincia a diventare artisti, a realizzare foto artistiche, quando inconsapevolmente inizi un progetto fotografico solo tuo. Ti imponi uno stile e prima di metterlo a punto ci impieghi del tempo, fai delle scelte stilistiche e ti trovi a volte a dover fare compromessi espressivi tra chi ti commissiona il lavoro e il tuo progetto concettuale ed estetico in cui credi.

Plotter

Nei primi anni 2000 comprai un plotter per realizzare prove colore per le fotografie che pubblicavo nei libri. Allora non erano ancora delle stampanti a getto d’inchiostro con pigmenti cosiddetti Fine Art. Ma la loro qualità cromatica e la loro definizione erano già eccellenti. Inoltre il plotter che avevo comprato aveva già un formato a bobine abbastanza grande per iniziare a sperimentare stampe con ingrandimenti superiori ai soliti piccoli formati a foglio. Sempre di più abbandonai il formato reflex 35mm, se non per le foto subacquee e l’utilizzo di teleobiettivi.

Primi esperimenti

Il mio primo esperimento di stampa in grandi dimensioni la feci con uno scatto in 6×17 a colori. Una spiaggia della Sardegna completamente deserta fotografata dall’elicottero. Rimasi esterrefatto dal risultato. La foto era quasi astratta. Una spiaggia bellissima, normalmente ricoperta di ombrelloni, aveva dei solchi circolari, dei graffi lasciati da una moto. Nell’ingrandimento quei segni lasciati sulla sabbia si erano trasfigurati in graffiti. La loro ottima visibilità era stata possibile grazie al grande formato dello scatto (6×17) e dall’ingrandimento (150 x 60 cm). Inoltre l’increspatura del mare, le piccole onde sul bagnasciuga, avevano una consistenza quasi tridimensionale, grazie ad una luce morbida e laterale.

Prime foto artistiche Fine Art

Da allora iniziai a vedere il paesaggio in grandi formati. Non mi accontentavo più di una doppia pagina di un libro fotografico. Ma ci sono voluti anni prima di iniziare ad usare carte Fine Art. Profili, driver di stampa, compatibilità tra le varie case produttrici di plotter e di carte le ho potute padroneggiare solo dopo aver rottamato il mio vecchio plotter con uno di formato più grande. Una nuova generazione con pigmenti e driver di stampa permetteva di usare quasi tutte le carte Fine Art in commercio.

Digital Dark Room

Oggi ho nel mio studio una cosiddetta “digital dark room”:

1. Workstation
2. Calibratore colore per tarare il monitor
3. Photoshop
4. Plotter profilato sulle carte Fine Art che prediligo

Per acquisire e conoscere tutti questi processi non è stato facile ed immediato. Molti fotografi si affidano a stampatori esterni, ma nel mio caso ero ancora troppo innamorato della pellicola, della mia 6×17, del meraviglioso formato quadrato 6×6 delle Hasselblad. Questo per dire che l’immediatezza del digitale non mi ha mai veramente conquistato. Dipendevo esternamente solo per lo sviluppo della pellicola. Per tutto il resto potevo contare sulle sole forze del mio studio.

Scanner professionali

Per arrivare ad un stampa Fine Art e creare foto artistiche da scatti in pellicola bisogna passare da scanner professionali. Ho uno scanner Imacon (Hasselblad) che oltre ad una risoluzione eccezionale ha una messa fuoco precisissima sulle pellicole. La messa a fuoco è uno dei problemi più grossi che gli scanner piani non sono mai riuscito a risolvere. Forse è stato questo il vero motivo che mi ha spinto verso la fotografia a lastre e non verso un dorso digitale per il medio formato.